miércoles, 11 de enero de 2017

In a city that doesn't sleep, New York



 Hace 2 años que no iba a EEUU, y lo extrañaba muchísimo. Extrañaba los 7eleven, las ardillas, no ver perros abandonados en las calles y los buses escolares. Esta vez iba con mi papá y mi hermano, y mi papá en esta ocasión arrendó un departamento en Clinton Hill, Brooklyn. 

 Era la primera vez que ocupaba Airbnb, y resultó muy eficiente. Nos tocó una anfitriona muy amable y simpática (que además le gustaba Roberto Bolaño), o sea, se merecía el vino que le habíamos llevado, jiji. El departamento era igual al que aparecía en las fotos y descripciones de la página. Muy espacioso, antiguo pero remodelado, como la mayoría de las construcciones en Brooklyn. Amé el barrio. Tenía el metro cerca, cafes y restaurantes. También estaba rodeado de parques y un instituto. No había nada de qué quejarse, porque no nos podiamos sentir más seguros, ya que teníamos un distrito policial a una cuadra, y allá realmente la policía da miedo. Y comparándolo con mi ultima estadía en un hotel en Los Angeles, algo que fue muy cómodo como se podia esperar en el Mayfair Historic Hotel, en NYC realmente nos sentíamos unos neoyorquinos. Esa es la idea al usar Airbnb, sentirse un ciudadano y no un turista, disfrutar el viaje como debe ser.

 Las típicas entradas a los edificios con esas pequeñas escaleras como se ven en Home Alone, por ejemplo, eran aspectos en las construcciones que claramente no pasan desapercibidas para uno que no está acostumbrado a ver esa arquitectura en Chile. Y como estábamos en vísperas de Navidad y nos encontrábamos en una ciudad donde son más bien fanáticos de esa festividad, los adornos en las calles y en las casas ya estaban instalados, así que era todo un espectáculo pasar por la famosa 5ta avenida y ver las vitrinas de algunas jugueterías con verdaderas obras de teatro, como también pasar por el Rockefeller Center y apreciar su árbol, siempre rodeado de muchas personas. El primer día en la ciudad, de hecho, no pudimos pasar por el Tiffany's & Co porque tenían como cortada esa parte de la calle. Eso porque justo al lado se encontraba la Trump Tower, que siempre vimos con gente protestando al frente, mucha seguridad y los medios enfocando hacia ese edificio en todo momento. Otro día obviamente pude pasar a la joyería donde una vez la Audrey Hepburn se dispuso a tomar desayuno, pero realmente el día que llegamos era imposible hacer eso.

 Era muy probable igual encontrarse con personas en desacuerdo con el presidente electo que estuvieran con carteles con "not my president" a la salida del Trump Tower, sabiendo que el estado de Nueva York es mayoritariamente demócrata, al igual que California. Y personalmente, cuesta creer que un hombre irrespetuoso, no solo con la gente, sino con el planeta al no creer en el cambio climático ocupe un lugar tan importante como la presidencia de EEUU. Es algo que te deja muy escéptico con el futuro.

Otra parte muy encantadora de la ciudad es el Central Park, en medio de Manhattan, obviamente es un lugar que debe visitarse de día, noche, en cualquier momento, ya sea para hacer un picnic, salir a correr, andar en bote o patinar sobre hielo. Y como la gente, al igual que en Los Angeles, se preocupa de los animales y no los abandona, nunca vi ningún perro por el parque que no tuviera dueño, así que las ardillas corrían tranquilas por todos lados. Eran muy fotogénicas además <3

 Empire State Building. Edificación donde en una oportunidad un mono gigante subió hasta la punta ,  cayó, herido, y murió por culpa de la ambición de un hombre (en este momento no sé por qué estoy pensando en Jack Black) era lo que faltaba ver. Fuimos en invierno para allá, así que el frío que sentí en el piso 86 fue algo realmente insufrible, pero que valía la pena. No me tocó algo romántico, así como ver el atardecer desde ahí arriba, pero pude apreciar Manhattan de noche, con un viento si, que no me dejaba ni hablar.

Un día, íbamos caminando por Chelsea, Manhattan, y una mujer mientras patinaba nos hizo como unas señas y nos bailó. Era obvio que tenía ganas de hablarnos, así que nos pusimos a conversar. No era totalmente en inglés la conversación, porque ella (no puedo recordar su nombre) había vivido en España, así que manejaba un poco el idioma. Era férrea anti Trump y había perdido a su esposo, que era bombero, durante los ataques a las Torres Gemelas, así que ahí estaba yo, escuchándola con atención e impotencia, mientras pensaba en todas las personas que murieron ahí y que ni siquiera trabajaban en esas torres.
 En relación a la comida, un tema muy relevante para mí, era raro encontrar comida a un precio normal. $7 dólares por un hotdog en la calle? No por nada dicen que es una de las ciudades más caras del mundo, es cara pero lo justifica su encanto y su estilo fancy a pesar de las estaciones de metro con ratas y aspecto lúgubre y sucio a más no poder, porque dentro de toda esa indecencia  había belleza, si, la había. 

 Pero en Brooklyn descubrimos un local donde vendían slices de pizzas a $1 dólar, si, solo a $1 dólar cada porción y de un tamaño bastante generoso. Son varias las opciones las que uno encuentra y uno después decide al final a dónde ir a comer. Ir, por ejemplo, al Clinton Street Baking Company en East Village, Manhattan, fue una de las mejores cosas que pude hacer. Ahí pude comer los mejores pancakes de NYC, junto con un batido de mantequilla de maní, ay hueón, lo extraño, es que en Santiago no venden esas cosas, yo al menos no he visto ningún restauran que haga, y eso que sé de muchos cafes de la capital. Por Manhattan igual (creo que era Tribeca) compré también comida vagana ultra deliciosa. Recuerdo que era como un salteado de verduras con tofu y arroz integral, demasiado demasiado bueno. Los Starbucks fueron infaltables, obviamente, y otros cafes por Manhattan propios del lugar. Uno de mis lugares favoritos en la gran manzana para comer orgánico era el Fresh & Co. Hermoso.

 A parte de los lugares sobrecogedores como la salida del edificio Dakota donde mataron a John Lennon o el lugar donde se encontraban las Torres Gemelas, espacio que no imaginaba tan grande porque en las fotos no se apreciaba bien eso, estaban también los relacionados con la educación y la cultura. Entrar a la Universidad de Columbia, al museo Guggenheim, a la Biblioteca Pública de Nueva York, y sobre todo al MoMA, fue realmente una experiencia notable. Estar frente a la Noche Estrellada de Van Gogh y a las latas Campbells de Warhol te conmueve el ánimo hondamente.

 Obviamente no quería irme de Nueva York, pero extrañaba mucho a mi conejo, al Amadeus II. La hotelería donde se estaba hospedando, supongo que eran conscientes de eso, porque me enviaba fotos de mi pequeño para que supiera que estaba bien. Andaba subiéndome a un carro de metro mientras veía fotos de la mascota que me llegaban al mail. Tranquilidad suprema.

Y refiriéndome a una de las cosas más satisfactorias que pude haber hecho en Nueva York, a parte de visitar Harlem:



sábado, 10 de septiembre de 2016

1 año sin Mike Patton


Desde el 2009 que el ya considerado uno de los hijos ilustres del país, Mike Patton, se viene presentando en estas tierras al menos una vez al año, a excepción del 2012, después de su show en el extinto Maquinaria Festival en el Club Hípico el 2011. Ya es tan habitual tenerlo en Chile que ahora en realidad no llama la atención cuando regresa, sino cuando no confirma ninguna fecha en Chile, algo que probablemente sucederá este 2016.
Nada menos que 15 conciertos ha tenido Patton en Chile hasta el momento (teniendo en cuenta a Faith No More, su proyecto donde versiona música pop italiana Mondo Cane, la experimental superbanda Fantômas y ZU Quartet). No por nada considera su relación con nuestro país como algo mágico. Su último concierto fue recién el año pasado en septiembre, dentro del marco del Latin American Tour de Faith No More en el Santiago GetsLouder, donde fueron headliners junto a System of a Down.
Distintas etapas ha recorrido la veneración hacia Mike Patton en Chile. Desde una ilusa portada en el diario La Estrella con “Plis No More” luego de su incomprendida,  por muchos, presentación con FNM en El Festival de Viña del Mar en 1991 hasta la idolatría, material de ciertos mitos urbanos, conciertos memorables y anécdotas que han formado de alguna manera el imaginario criollo.
Todo eso nos lleva a preguntarnos, ¿por qué Mike Patton no confirmó una presentación este año?Ni siquiera se le ha visto paseando con algún amigo escritor en un persa o comiendo en un restaurant popular, solo con la excusa de pasear como lo han hecho otros músicos como Geddy Lee de Rush o Damon Albarn hace unos meses. En realidad, como se comentó anteriormente, hace muy poco vinieron, promocionando su último disco Sol Invictus. Ese fue el principal motivo para tenerlos de vuelta. Un nuevo disco significa una nueva gira, y como es totalmente imposible que lancen nuevo material y no lo promocionen en Chile, que en realidad ya es como su segunda casa, no debería ser novedad que FNM confirme una fecha porque tiene otro disco bajo la manga.
Muchos de los brillantes proyectos del excéntrico hombre de las 1.000 voces se han presentado en Chile, pero aún falta ese grupo que formó en su natal Eureka mientras todavía estaba en el colegio, junto a Trey Spruance y Trevor Dunn, Mr. Bungle. ¿No sería cumplir un sueñover por primera vezesa gloriosa mezcla experimental, abstracta y perfectamente absurda como lo es Mr. Bungle? Suena difícil, pero podríamos esperar una reunión, aunque en una oportunidad Patton comentó que podría pasar, pero él no sería el cantante. Al respecto, Dunn dijo estar contento porque la banda estaba “muerta”, y en el caso hipotético de que Mr. Bungle volviera sin su frontman, sería como ver a RATM sin su vocalista, como está sucediendo ahora con Prophets of Rage, no tendría sentido.
Hasta el momento se han confirmado muchos shows importantes, como la nueva edición del festival RockOut, Aerosmith, Pet Shop Boys, Richard Ashcroft, Cypress Hill, Guns N’ Roses, Black Sabbath, Chris Cornell, todo eso y más en un semestre. Sin ninguna duda será un año colmado de conciertos notables, pero con un cierto vacío por no tener a Mike Patton en la palestra nuevamente. El único vínculo entre Patton y Chile este año sería la reedición que hubo de los discos WeCare A Lot, King for a Day… Foolfor a Life Time y el Album of the Year en algunos bares en Santiago y Valparaíso. Todo eso gracias a que Billy Gould encontrara en su casa los masters, en cinta, del primer disco de la banda y decidieran lanzarlo, y hace unos días anunció su participación en el Festival Internacional de Vanguardia en Chile para octubre, pero de Patton nada todavía.
¿Y cuáles son los planes de Mike ahora? La última noticia sobre el músico ha sido una entrevista que le hizo Jehnny Beth de Savages para el programa “Start Making Sense” de Beats 1 Radio, donde a parte de dar a conocer su afecto hacia Easy Lover de Phil Collins, comentó su carrera en la música como un feliz accidente, y a la vida, en realidad, como una serie de felices accidentes. Quizás en este momento esté preparando algo con Alberto Fuguet y/o Gonzalo Frías como cómplices, para agregar otro “accidente” a la lista.




¿Qué artistas de Glastonbury 2016 deberían venir a Chile?



El Festival Glastonbury de las Artes Escénicas Contemporáneas, inspirado en la ética hippie y la contracultura, y considerado como uno de los festivales más importantes en el mundo, tanto por la calidad de las bandas que se han presentado desde 1970 y por la continua innovación durante más de cuatro décadas, se llevó a cabo, como todos los años, en Pilton, Somerset, Inglaterra, desde el 22 hasta el 26 de junio, teniendo en sus escenarios a Muse, Beck, Jeff Lynne de los legendarios Electric Light Orchestra, Earth, Wind & Fire y tantas otras bandas. Mismos escenarios que recibieron a David Bowie, TheSmiths, Oasis y a R.E.M un tiempo atrás.
Pero ahora nos enfocaremos no en los headliners del festival, sino en los artistas midliners o parte baja del cartel, especialmente en esos artistas que nunca han venido a  Chile.

MADNESS

Ya tuvimos la oportunidad de ver a un ícono del ska como The Specials en el Lollapalooza 2015, pero aún no hemos podido tener en Chile a otro de los principales exponentes de este género, como Madness. Los oriundos de Camden Town y creadores de “OurHouse”, durante la mitad de la década de los 80’s estuvieron más semanas en las listas inglesas que cualquier otro grupo, y hace poco anunciaron su duodécimo disco de estudio, Can’tTouchUsNow, que será lanzado en octubre de este año.

BAT FOR LASHES

Otra de las artistas que nunca se ha presentado en nuestro país es NatashaKhan, más conocida como BatforLashes, una de las cantantes que mejor sabe hacer una balada elocuente e intensa, quien plantea un acercamiento intelectual y casi erudito a la música. The Bride es su álbum más reciente, el cual ha tenido un buen recibimiento en la crítica.

M83

Música electrónica y dream pop francés. Eso es lo que presenta Anthony González y Nicolás Fromageau. Han transitado desde la electrónica hasta el rock instrumental y han participado en soundtracks de películas como Chronicle, Cloud Atlas de los hermanos Wachowski, Oblivion, como también con la serie de películas Divergente. Estarían muy ad hoc en el line up de una versión del Lollapalooza Chile.

WOLF ALICE

Si seguimos en la búsqueda de músicos que no han debutado aún en Chile encontramos a los ingleses Wolf Alice. Una mezcla entre folk y grunge es lo que distingue el sonido de esta banda, quienes han sido comparados con grupos que no tienen mucho en común entre sí como Hole y The XX. El single “Moaning Lisa Smile” les ha valido una nominación en los Grammy de este año para la categoría de Mejor Actuación Rock. El año pasado lanzaron su muy alabado primer disco, MyLoveisCool, considerado como uno de los mejores disco del 2015 por NME.

SANTIGOLD

Santi White, mejor conocida como su álter ego Santigold, ha experimentado con el pop y el underground actual estadounidense, resultando una de las artistas que mejor aúna en la actualidad ambos extremos. Ha sido comparada con la rapera inglesa M.I.A, quienes han sido influenciadas por James Brown y Aretha Franklin, por ejemplo. Hasta el momento tiene tres discos de estudio; Santogold (2008), Master of myMake-Believe (2012) y 99¢(2016), siendo este último parte del Billboard 200 en el puesto 55.

martes, 14 de junio de 2016

Sigur Rós: éxtasis místico



Luego de un potente regreso a las pistas en el Festival español Primavera Sound hace unos días, los islandeses Sigur Rós, una de las bandas más esperadas en Chile, anunciaron un tour por Canadá y Estados Unidos, con un espectáculo de formato “An Evening With…”, más íntimo, sin el apoyo de cuerda y viento, ni teloneros, para presentar canciones nuevas y otras que podrían estar algo olvidadas. Lo especial de todo esto es que será la primera vez en quince años que la banda presente nuevo material antes de su lanzamiento. Por mientras estarán en el circuito de festivales europeos hasta septiembre.
Pop de cámara con clara orientación vanguardista, el trío oriundo de Reykjavik, Islandia establece a este país como una auténtica Isla de los Bienaventurados de la experimentación musical. Llevando al límite la expresión vocal y las texturas orgánicas, gozan de una popularidad que contrasta con lo complejo de su estética. Poderosos mantras de guitarras procesadas completan un sonido único en su género, emparentado con lo mejor de la música de avanzada del siglo XX, desde el trabajo del visionario alemán Stockhausen hasta Pink Floyd. De alguna manera, su éxito da indicios de un cambio en las audiencias masivas, que siguen propuestas más atrevidas y se dejan seducir por sus ecos exuberantes y afilados.
Son un conjunto de elementos los que los hacen especiales, ya sea por la creatividad, el tenor de las melodías, los recursos que usan e incluso la expresión vocal, porque no solo cantan en islandés propiamente tal, sino que también en una amalgama entre este idioma y otro “inventado” por su vocalista Jón Þór Birgisson, el denominado Hopelandic o Vonlenska,sirviendo como una forma más primitiva de comunicarse, algo muy marcado en su disco (). De hecho, es tan distinto a su idioma que incluso un islandés común y corriente podría no entender nada del disco. Una característica bastante peculiar presente en todo el álbum. Un viaje introspectivo del que cuesta salir.
¿Y qué podría servir de inspiración para Sigur Rós al momento de componer y desarrollar su concepto tanto visual como musical? Sería difícil no tener como estímulo creador los paisajes casi surreales con tanta nieve y neblina contemplativa de su país natal, lo cual genera un ambiente perfecto para tal actividad. De esa forma han logrado crear una estética a partir de su música: contemplativa, nostálgica, borrosa e intrínsecamente humana. Han elevado los conceptos del post-rock y el minimalismo a cotas difíciles de alcanzar.
Y con respecto a su “relación” con nuestro país, para el debut de Radiohead en Chile el 2009 en la Pista Atlética del Estadio Nacional, supuestamente, se iba a contar con la compañía de Portishead (otra banda que nunca ha venido a estas tierras) y/o Sigur Rós, pero solo quedó en un rumor. Otro momento efímero de ilusión ocurrió en el marco del lanzamiento de Kveikur del 2013, cuando después de una conversación entre integrantes de la banda y fans latinoamericanos a través de Reddit se especuló que podrían venir a Chile a fines de ese año. Esta vez se esperaba también ver a Chile entre las fechas confirmadas para el nuevo tour de los islandeses y nada, de nuevo. Pero igual hay que tener en cuenta que varios artistas han debutado tarde, como ha pasado con The Cure y Bruce Springsteen, por ejemplo, que recién tocaron en Chile hace tres años. Nunca es tarde.

viernes, 10 de junio de 2016

Kaiser Chiefs: comenzar bien la semana



En estos días el frío de Santiago es insufrible, sobre todo si se trata de un lunes donde se reanuda la rutina con la universidad o el trabajo, y aunque en situaciones de este tipo se acostumbra quedarse en casa, el poder que genera un concierto es tan fuerte que deja en segundo plano cualquier obstáculo que se interponga para poder distraerse el primer día de la semana. Eso fue exactamente lo que pasó con la cuarta venida de los ingleses Kaiser Chiefs, quienes debutaron en Chile el 2008 en el marco del Festival SUE en el Movistar Arena, donde compartieron escenario con R.E.M. y The Mars Volta, girando en ese entonces con el disco Off With Their Heads.
No se había tenido la oportunidad de asistir a un show más íntimo de los oriundos de Leeds, ya que luego de su concierto en el Movistar Arena, su siguiente visita fue en el Lollapalooza 2013, donde marcaron uno de los puntos altos de la primera jornada de esa edición, y más tarde en la Pista Atlética del Estadio Nacional junto a FooFighters el año pasado. En esta ocasión el panorama fue diferente, en un recinto acogedor y con buena acústica, como lo es el Teatro La Cúpula, espacio que congregó a los seguidores más fieles de este grupo.
Eran las 9:03 pm cuando el quinteto de indie rock apareció en tarima. Como de costumbre, Ricky Wilson se encargó de volver loco al público con todos esos detalles que lo convierten en uno de los frontmans más sencillos de la actualidad. Everyday I Love You Less and Less de su primer disco Employment (2005) dio inicio a un intenso show lleno de baile y energía. “Somos Kaiser Chiefs” espetaba el carismático e incombustible Ricky Wilson, entre ovaciones y vítores de un animoso público. El entusiasmo fue en crescendo cuando sonó el hit Everything is Average Nowadays, coreado por todos los presentes, donde Vijay Mistry dio muestras de su calidad y energía como baterista, que no decayó en ningún momento del intenso show. “Es agradable estar aquí de nuevo. La última vez que estuvimos acá fue con Foo Fighters” comentaba el frontman previo al ya clásico Never Miss  A Beat, desatando el jolgorio máximo en la cancha.
La cercanía de la banda con sus fans es notoria, eso por la comunicación constante entre el cantante y su público. Esta vez el tecladista Nick Baines junto a Wilson bromearon con algunas frases hechas y palabras aleatorias en español, como con nombres de comidas por ejemplo: lomo o  albóndigas (mencionadas en más de una oportunidad). En repetidas ocasiones también el frontman se acercó a la barrera de la primera fila donde parecía que en cualquier momento se lanzaba como para un crowdsurfing.
Parachute, que no ha sido lanzada oficialmente aún, al igual que Hole in My Soul, prepara la entrada para Ruby,una de las canciones más esperadas de la noche, con la cual el público vuelve a enloquecer sabiendo acompañar con una energía acorde a los buenos exponentes de este indierock inglés que nos recuerda que el mejor baile es el que se tiñe de rock. Aquí la Cúpula se convierte en un verdadero karaoke masivo. Otras de las melodías memorables como The Angry Mob y I Predict a Riot continuaron la fiesta un poco antes del encore, con toda la Cúpula coreando. Todo esto para finalizar con una extendida Oh MyGod, terminando así el primer show en solitario de Kaiser Chiefs cargado de potencia y desplante musical.
Como lo comentó en un momento Ricky Wilson, los que habían asistido esa noche eran sus verdaderos amigos. No hubo mucha concurrencia como en ocasiones anteriores, pero estaban los apropiados para suscitar la catarsis vivida esa fría noche de lunes, ideal para comenzar bien la semana.

miércoles, 18 de mayo de 2016

Radiohead: eclecticismo musical



Este mes, los liderados por el virtuoso Thom Yorke lanzaron su noveno disco de estudio titulado A Moon Shaped Pool, lo que fue antecedido por un extraño cambio en la página y redes sociales del grupo inglés, las que quedaron en blanco, sin publicaciones ni nada, por unas horas. Luego surgió un sitio web de Radiohead renovado, apareciendo en pantalla el nombre de uno de los adelantos de su nuevo disco, “Burn the Witch”, lo que coincidía en cierta forma con el Día de Brujas en Alemania también, y con otras teorías que fueron tratadas entre los fans. Un par de días después las cosas se pusieron más claras con el estreno del video de “Burnthe Witch”, más tarde el del otro single “Daydreaming” y con el anuncio propiamente tal del sucesor de The King of Limbs.
Y aprovechando este tremendo acontecimiento, revisamos la evolución de Radiohead, quienes conciliaron el rock alternativo con tintes grunge con un rock más experimental/electrónico, sus distintas portadas conceptuales y su apoyo en internet para descubrir nuevas formas de dar a conocer su nueva música.
El primero, Pablo Honey (1993), génesis incomprendido y lo que los calificó como “promesa del rock inglés” en su época, fue universalmente reconocido como el peor disco de Radiohead, tanto por los temas como por el arte de la carátula, que coincide con las tendencias de diseño gráfico populares en el momento, que es otra forma de decir que es muy 90’s. Si uno se fija en los ojos del bebé en la portada, da la sensación de que no es querido, como ocurre con el disco. Después de su disco debut, fue Stanley Donwood el encargado de ilustrar las portadas de sus trabajos hasta el día de hoy.
Con The Bends (1995), hubo un cambio en la estética y en los temas para la banda, con un mayor uso de teclados. Y en esta ocasión, Donwood se inspiró en un periodo de pobreza en su vida para el diseño de la portada. Con una cámara vieja grabó a un maniquí, como los utilizados para los test de choques en vehículos. Y lo que respecta a su promoción, a mediados de los 90’s hubo una confrontación entre Radiohead y Suede, lo que provocó que The Bends acaparara toda la atención gracias a la polémica.
Y ya en 1997, con el glorioso OK Computer, lograron consagrarse y alcanzar una gran fama internacional, con un sonido que te sumerge con temas como la alienación moderna, lo que lo hace todo un ícono dentro del registro musical en la década del 90, influido por el discurso político de Noam Chomsky, y sin duda uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Al igual que en la portada de TheBends, Yorke junto a Donwood hicieron el collage con imágenes y textos, con el pseudónimo “The White Chocolate Farm” con colores predominantemente blanco y azul, como si fuera el color de un hueso blanqueado, con dos figuras de palo dándose la mano, donde aparecen autopistas, aviones, paisajes urbanos y frases inconexas. Así, todo el álbum representa las cosas que no se dicen en las canciones, como un complemento.
Desde el 2000 en adelante, internet empieza a jugar un rol importante en la banda, y donde se empieza a notar un cambio sustancial en el estilo de Radiohead. Con Kid A (2000) se reemplazan las guitarras por sintetizadores e instrumentos usados por músicos de techno. En relación al arte de este disco, tanto Yorke como Donwood se obsesionaron con el tema del cambio climático y los deshielos, eso explicaría la montaña en la portada. Y como suele ocurrir recurrentemente, hubo una filtración con este disco, lo que explicaría de alguna forma el éxito comercial de Kid A. La idea que se tenía sobre la promoción de este álbum era presentar esto como un trabajo cohesivo en vez de singles por separado. Cuando se filtró se compartió viaNapster tres semanas antes de su lanzamiento oficial.
Considerado como “otra toma del Kid A”, en Amnesiac (2001), tanto las letras como el arte del álbum tratan temas como la memoria y la reencarnación como en la mitología egipcia. Tiene el sonido tradicional de Radiohead con algo más experimental. En la portada aparece un minotauro llorando, lo que da entender que todos somos monstruos, mitad humanos, mitad bestias, en una prisión imaginaria.
Hailtothe Thief (2003) surge como una filtración en internet, al igual que  Kid A. Aquí de nuevo hay rock mezclado con música electrónica, y con letras inspiradas en la guerra del terror, ocurrido después de los ataques del 11 de septiembre. El arte aquí (PacificCoast), es un mapa de Hollywood con palabras y frases sacadas de la publicidad como “God”, “TV” y “Oil” en los edificios, entendiéndose como una crítica al consumo enfermizo del capitalismo.
Eclecticismo en la cúspide es lo que encontramos en el estilo de In Rainbows (2007), con pianos, música electro y celestes. La inspiración para esta carátula viene directamente desde el estudio donde trabajó Radiohead. Es como un arcoíris, pero tóxico. Para esto Donwood experimentó con la técnica de grabado fotográfico, poniendo los prints en baños de ácido con varios resultados, removiendo la cera del papel, lo que daba la sensación de ver una foto espacial de la NASA. Y lo atractivo respecto a la publicación de In Rainbows, fue que estuvo disponible para descargas donde se podía dejar un aporte monetario voluntariamente, algo no muy acorde con la industria.
Con The King of Limbs (2011) se exploran ritmos y sonidos incidentales, con mucho looping y sampling. El arte del disco está influenciado por cuentos fantásticos del norte de Europa y su relación con la naturaleza y el bosque, por eso el dibujo de los árboles con ojos, extremidades y bocas, que están ahí como parte del espíritu viviente de la selva.
Y finalmente el 8 de mayo de este año se dio a conocer A Moon Shaped Pool, de una forma bien particular que dio pie a varias interpretaciones, tratándose de un resurgimiento de Radiohead. “BurntheWitch” fue compartido hace unos días con un video en stop-motion, como si de un video de Tool se tratara, que ahora además ha sido acusado de plagio, y el otro single, “Daydreaming” fue estrenado con un video dirigido por Paul Thomas Anderson.
Con más de 30 años de carrera, Radiohead posicionó como sustentable un rock difícil y complejo con una movida audaz y exitosa, como se ha demostrado a lo largo de su carrera, no por nada son considerados como una de las mejores bandas de todos los tiempos.

Stuart Braithwaite: “Atomic ha sido uno de los proyectos más intensos y satisfactorios”




A mediados de los 90’s nació la banda escocesa Mogwai. El nombre de la banda se suponía que era algo temporal, como muchos de los títulos de sus canciones, pero siempre han estado muy ocupados y distraídos con todo el trabajo que han producido hasta hoy como para preocuparse de aquello. En 21 años de existencia como formación, probablementeMogwai ya hayan hecho realidad todos sus deseos y los de cualquier banda que pueda cumplir sus características. Además de vivir muy bien de la música y gozar de buena fama internacional, ellos mismos regentan su propio sello Rock Action Records, desde el cual se mueven a sus anchas y toman cualquier decisión referente a las propiedades de un nuevo disco.
Y para hablar de su nuevo álbum Atomic, sobre grabar más bandas sonoras y próximos proyectos conversamos con su guitarrista Stuart Braithwaite.
Primero que todo, la última vez que estuvieron en Chile fue para el Festival Primavera Fauna dos años atrás. ¿Qué recuerdas de eso?
Fue un bonito momento, lo pasamos muy bien. Recuerdo la alegría de la audiencia en Chile. Se sentía una buena vibra en el ambiente.
¿Y qué opinas sobre el uso de celulares en los conciertos para tomar fotos o grabar durante el show? Eso es algo que te molesta? Porque es algo cada vez más común…
No, no es algo que me moleste, pero encuentro que es como una pérdida de tiempo. O estás pendiente del show o de tu celular para registrar algo. No me molesta, pero tampoco encuentro que sea una buena idea.
El 1 de abril será lanzado su disco Atomic. ¿Cómo ha sido trabajar en este álbum?
Ha sido una entretenida aventura. Desde que fuimos a Hiroshima a tocar y visitar el Peace Park este ha sido un tema muy cercano a nosotros. Los resultados finales, tanto el OST como el disco son piezas de las cuales estoy muy orgulloso. Todo el proceso comenzó con la primera sesión de la banda sonora, luego adaptamos la música para el álbum, así que en general fue una buena experiencia hacer eso.
Mogwai generalmente tiene un elemento de variación en sus canciones. Es “Ether” un buen indicador del estilo y sonido de Atomic?
La verdad no creo que sea tan así como un indicador del estilo de Atomic. Diferentes instrumentos a veces solo entregan resultados diferentes. “Ether” muestra más optimismo, a diferencia del sonido más pesado y oscuro en el resto del álbum. De todas formas, el soundtrack de Atomic ha sido uno de los proyectos más intensos y satisfactorios que hemos asumido como banda.
El grupo últimamente ha incursionado de manera más activa en OST de películas y series de televisión también. Tienen algún otro soundtrack pendiente? Así como trabajar con Aronofsky, por ejemplo?
Nos encantaría la verdad, pero honestamente hemos estado un poco ocupados. Estamos planeando grabar a fines de año. Además, también estoy tocando con MinorVictories desde el año pasado, así que en realidad no tenemos mucho tiempo para preparar otro OST. Probablemente pueda ser el próximo año.
Y si eso llegara a suceder el próximo año, ¿cuál sería su OST ideal? ¿Tienes un director favorito?
Si, me gustaría trabajar en el soundtrack de una película de Ridley Scott, por ejemplo. Admiro mucho su trabajo, creo que podríamos ser un buen equipo para algún film.
 Y cuáles son sus planes para este año después del lanzamiento de Atomic?
Vamos a hacer algunos conciertos, presentando la película de fondo con nuestra música. También estaré ocupado con mi otra banda Minor Victories, así que se vienen muchos desafíos para este año.