Eagles of Death Metal: la importancia de mantener las cosas simples

“Este no es un proyecto paralelo para mí. Estoy en dos bandas. Tengo esquizofrenia musical, y ésta es una de esas personalidades. En resumen, son increíbles” comenta el líder de Queens of the Stone Age al reafirmar su compromiso con Eagles of Death Metal. Ésta última formada por Homme y Jesse Hughes en 1998 en Palm Dessert, California, apareciendo por primera vez en TheDesert Sessions Volumes 3 & 4 lanzado ese año. Y a pesar de haber tenido a Joshua Homme en más de una oportunidad en Chile, Eagles of Death Metal recién debutará este año en la sexta edición del Lollapalooza Chile. Esperemos que algún día pueda suceder algo parecido con Them Crooked Vultures, otra banda con un nombre que alude a aves (curiosamente) y que lamentablemente aún deseamos ver por estos lados.

Cuando Eagles of Death Metal lanzó su álbum debut el 2004, los exponentes del garaje rock no estaban bajo ninguna obligación de tener un total de cuatro discos (excelentes, por cierto) doce años después. El frontman Jesse Hughes y el considerablemente más famoso Josh Homme eran amigos que querían hacer música juntos, lo que hicieron sin ninguna muestra de delirios de grandeza. Zipper Down es el primer disco del grupo en siete años, lo cual es extraño teniendo en cuenta sus inicios: ese debut, Peace Love Death Metal, fue grabado en tres días, y el segundo y tercer disco salieron el 2006 y 2008 respectivamente, por ese momento era habitual, volver a lo básico del rock.

Una cosa sobre Eagles of Death Metal: las viejas canciones suenan exactamente tan buenas como cuando recién se formaron como banda. Eso es porque los sonidos de los cuales se han inspirado  no han cambiado. La lista empieza con la fundación del rock n’ roll de Chuck Berry y Elvis Presley, el Beggars Banquet y el Exile onMain St. de The RollingStones, la inmediatez fiable de The Ramones y algo de la sátira Thisis Spinal Tap en buena medida. Pero mientras hay tantas comparaciones para hacer, el nuevo disco no suena tanto o lleva algo en particular, aunque capture la sudorosa, la energía inagotable que espiritualmente une a esos músicos que los precedieron.

Homme ha lanzado discos con Them Crooked Vultures y Queens of the Stone Age desde HeartOn, por lo que es especialmente bueno tener al relativamente menos prolífico Hughes. “Boots Electric”, “TheDevil”, “Fabulous Weapon”, como se le quiera llamar, Jesse es una de las personalidades indiscutibles del rock. Esto viene de sus  presentaciones en vivo y sus letras, que son relajadas y lúdicas, excepto cuando están algo serios, pero lúdicos también. Una de las canciones de Zipper Down, “Silverlake (K.S.O.F.M.)”, por ejemplo, es una parábola sobre los hipsters en Los Angeles; el ridículo sentido del sujeto de derecho en la parte “Don’tyouknowwho I am?” se convierte en un reconocimiento de la duda misma “I don’tknowwho I am”. Sin embargo, esa indiferencia común está bien, incluso el punto del grupo en este caso. No es como cuando se necesita escribir una canción de más de diez minutos sobre los rasgos de una mujer o cualquier tema que pueda servir para un letrista de rock.

Mientras Zipper Down se mantiene fiel al sonido esperado de Eagles of Death Metal, sigue estando a un paso más allá. Los tonos de la guitarra suenan con más ímpetu que nunca, al igual que con la batería. Este último disco abre con “Complexity”, la misma canción que dio inicio al Honkey Kong, disco que sacó Hughes el 2011 bajo el seudónimo de “Boots Electric”. Pero esta versión de EODM tiene un arreglo distinto. Después de todo, Eagles of Death Metal todavía trabaja con una instrumentación modesta, además de los coros de la pareja de Hughes, la estrella porno Tuesday Cross. A partir de ahí, las cosas son por lo general tan discordantes, y de esa identidad cohesiva surgen canciones individuales, muy distintas a las canciones de rock que se escuchan actualmente.

Zipper Down es el primer disco de Eagles of Death Metal desde el cambio de sello a Universal. Suena mejor que sus tres primeros álbumes, pero esto sigue siendo EODM, y las canciones más destacadas lo confirman. “Got a Woman” demuestra eso, además de merecer ser “repetida” más adelante en el registro como “Got a Woman (SlightReturn)”. “I LoveYouAllthe Time” se encarga de endulzar las festividades con un poco de acento americano y francés para manifestar más romanticismo en algunas líneas. Más adelante, está el cover de Duran Duran con “Save a Prayer”, y ya terminando el disco las cosas se ponen un poco más religiosas con el punto culminante en “Reverend”, que asienta con la creencia cristiana de Hughes.

¿Le tomará siete años más a Eagles of Death Metal lanzar otro disco? Hughes tendría cincuenta, y aunque es probable que todavía esté cantando sobre mujeres de la mitad de su edad, Zipper Down tiene canciones que deberían aumentar la demanda y motivarlos a sacar más de un trabajo en los próximos años. Por ahora, y como dice Jesse y como sostiene “Complexity”, “hay que mantener las cosas simples” e ir a su show a las 2:30pm en el Acer –  Windows 10 Stage en esta esperada nueva edición de Lollapalooza.

Bad Religion: el punk no envejece

La banda americana originaria de Los Angeles, California, fue la responsable de liderar la nueva ola de punk rock americano a comienzos de los años ochenta. En sus canciones mostraban la desesperanza y la furia de la juventud de esa época, inmersa en un sistema del que se sentían ajenos. Su marca registrada es la utilización de melodías que atrapan y su constante búsqueda de nuevos sonidos, desde la psicodelia al heavy metal, pero con un inteligente y agudo uso de las palabras con metáforas y un nutrido vocabulario.

Dejando de lado todas las bandas de hardcore del sur de California de comienzos de los 80’s, BadReligion se mantuvo en el rubro por más tiempo. Desde hace más de una década conservaron su credibilidad undergroundsin la necesidad de ofrecer una serie de álbumes indistinguibles que suenan todos iguales. En lugar de ello la banda refinó su ataque, añadiendo inflexiones de psicodelia, heavy metal y hard rock, así como también una considerable dosis de melodía. Entre su debut en 1982 y su primer disco en un sello importante, RecipeforHate del 93’ se mantuvo vital en la comunidad hardcore, sosteniendo su ejecución musical y continuando con letras complejas y rectamente enojadas.

Fue en el Teatro Monumental, actual Teatro Caupolicán, en 1999 cuando debutaron los angelinos en Chile. Un show significativo tanto para los fans como para el grupo que regresó un par de años después, y así de manera más frecuente presentándose en el Estadio Chile o Estadio Víctor Jara, la Pista Atlética del Estadio Nacional y nuevamente en el recinto que los recibió por primera vez, el Teatro Caupolicán el 2011. “Esperamos estar de vuelta muy pronto” espetaba Greg Graffin aquella noche, promesa que cumplieron al volver el 2014, con True North para promocionar.

Hay una línea muy fina entre perfeccionar un sonido muy específico que puede definir a una banda y crear música redundante  y rancia. Durante más de 30 años, Bad Religion ha demostrado que la edad es solo un número, y sin descanso produjeron material legendario. La última oferta de la banda, True North, sirve como una culminación y retrospectiva de su dilatada historia.

La canción con el titulo del disco inicia el registro con una melodía instantánea que nunca podría ser confundida con ningún otro grupo que con Bad Religion. El ritmo urgente converge con la armonía en aumento del coro, lo que hace recordar a Recipe for Hate, catalogado por la mayoría como el mejor lanzamiento con el sello del grupo, Epitaph. “Land of Endless Greed” continúa este tema, con el vocalista Greg Graffin dándose impulso para entregar solo la llave correcta.

True North encuentra continuamente a Bad Religion no solo aceptando su pasado, sino que acogiéndolo íntegramente. “NothingtoDismay” expone todo lo amado sobre el sonido de la agrupación del crossbuster. La cadencia de marcha se complementa con la entrega vocal insistente de Graffin en los versos, llevándolo a los coros y solo de guitarra. Aparte de la producción, el tema podría ser confundido fácilmente como una canción del No Control.

Muchos ven a TheProcess of Belief como el regreso no oficial de Bad Religion. Esto marca no solo el regreso de Epitaph Records, sino que también reintegra al guitarrista fundador Brett Gurewitz, cuya relación sobre componer con Graffin es nada menos que una leyenda. True North comparte una sensación similar de rejuvenecimiento, pero empuja más directamente desde el pasado de una manera muy demostrativa. Tanto “The Island” como “Pastis Dead” inmediatamente recuerdan a Against the Grain y su sucesor Generator. “Robin Hood in Reverse” toma prestado de StrangerthanFiction con el comentario social directo de Graffin y el arsenal vocabulario siempre presente.

La dispersión en el disco representa momentos de una dirección y sonido nuevo. “FuckYou” , con influencias folk, legitimando una canción que podría ser fácilmente descartada puramente por el titulo. “Dharma and theBomb” recuerda las primeras influencias de la banda con una reminiscencia de melodía siniestra de Agent Orange o DeadKennedys.

True North es nada menos que una celebración de Bad Religion como un elemento permanente en la historia de la música, y tal vez lo más importante, un testimonio de una historia atemporal de influencia y versiones épicas. Nada sale sin estilo o como de auto servicio. Y por eso se podría decir que es el mejor lanzamiento del grupo en los últimos 10 años, que con el tiempo obtendrá una mayor apreciación en el catálogo global. Claramente ningún seguidor de BadReligion espera que la banda se termine, aunque si True North fuera su último trabajo sería, sin duda, el final perfecto. Pero el punk sigue vivo y no envejece, así que para la última jornada del Lollapalooza, a las 4:15pm en el ItaúStage podremos seguir disfrutando de una de las bandas más relevantes en la historia del punk rock.

Tame Impala: revolución psicodélica

El grupo australiano liderado por Kevin Parker ha venido en tres ocasiones: debutó en agosto de 2012 en Chimkowe, donde los nacionales Föllakzoid abrieron el memorable concierto, en octubre del año siguiente volvieron al mismo recinto y en noviembre de 2014 fueron parte del Festival Primavera Fauna. Y ahora, tendremos nuevamente la oportunidad de verlos a las 7:15pm en el VTR Stage para la sexta edición del Lollapalooza Chile promocionando su tercer y aclamado disco “Currents”.

Antes de “Currents” Tame Impala podía ser más creíble. “Lonerism” e “Innerspeaker” son álbumes más flexibles,  como discos orientados a las guitarras que se siente como el resultado de una difusa colaboración entre múltiples actores, aunque con Parker en las riendas. “El hecho de que sonara como una banda era solo una decisión mía para tratar que sonara como una porque yo estaba totalmente involucrado en la música de la banda”. “Pero nunca grabamos como una banda, siempre he sido yo” explica Kevin Parker.

“Currents” marcó la preparación de Parker para ser dueño de su papel de líder. Quizás simplemente no era posible mantener la pretensión: a pesar de la cantidad de sonidos en “Currents”, cada canción suena tan cohesiva que solo podría ser hecha por una persona. Los teclados, sintetizadores, guitarras, lo normal sería no poder encontrar diferencia, algo que en realidad no importa. Flujo y reflujo ondulan y desaparecen. “LetItHappen”, uno de los temas de este disco, es un ejemplo de algo realmente notable, y esa es solo la primera canción. “Currents” aún no es apreciado como corresponde y hace pensar que Parker decidió ciertas cosas con el disco que podrían haber sido vetadas de este trabajo si hubiesen tenido una segunda opinión.

Y lo que ha comentado Parker sobre la producción de “Currents” una suerte de tensión entre su paso al frente en el punto de mira y la inseguridad que sigue su proceso creativo. Por un lado, Parker solo pudo estampar su autoría sobre “Currents”al alcanzar un cierto nivel de confianza para ser miembro de una banda. “Siempre fue esa seguridad para esconderse detrás de cinco tipos y decir ‘todos hicimos esto. Si resulta ser una mierda, no es mi culpa solamente’” según Kevin. Estaba listo para aceptar el sello que rechazó, pero que secretamente identificó por años. Su biografía en el sitio oficial de la banda es absolutamente claro respecto de la procedencia del álbum: “Currents” fue escrita, realizada, producida y mezclada por Kevin Parker”. Escrito así, como con mucho orgullo.

Pero es difícil liberarse de viejas neurosis, y cualquiera que haya analizado las letras de Tame Impala sabe que Parker tiende a permanecer demasiado tiempo en su propia mente. Según Kevin la oportunidad de hacer “Currents” solo agregó una completa dimensión de crisis nerviosas”. A menudo se cerró en su perfeccionismo y ansiedad pensando que no era algo de qué preocuparse. Observaba detenidamente “Currents” concluyendo: “Aún pienso que este disco es completamente inaudible”.

Pero como muchos seguidores de los australianos hay una parte entusiasta y sin complicaciones que se niega a entregarse al autodesprecio de Parker. No se puede dudar que es un músico talentosísimo que hizo un disco que cumple tanto para la creación misma como para el oyente, entonces la pregunta es, ¿por qué Parker simplemente no acepta el calificativo de estrella de rock que claramente merece? Al mismo tiempo es difícil entender cómo la inseguridad y la confianza pueden mezclarse en un mismo propósito. Saber que eres bueno en lo que haces y querer poner tu nombre en tu trabajo es algo normal,pero la arrogancia no está muy de moda actualmente, y para toda la agonía que induce, aún se cree que la inseguridad actúa como un regulador de calidad que te mantiene en un lugar modesto donde siempre hay oportunidad de mejora. Es una lucha creativa contemporánea con la que cualquiera puede identificarse, ya sea escribiendo una novela, practicando un deporte o preparando un álbum que define una carrera.

Es también una lucha para los seguidores de Tame Impala ver a Parker lidiar con eso. La música que hace tiene un grado de intención de lo mucho que el hombre se preocupa por su trayectoria elegida como músico. Es un compromiso que ha establecido Kevin con una firme oposición al estilo elitista y al rock más snob. Y así dio,por ejemplo, un paso al R&B e hizo 3 canciones con el productor pop Mark Ronson, como también ha escrito y hecho covers con Kylie Minogue.

El desagrado de Parker para los limites se extiende a su fría postura en los debates actuales sobre cómo se les paga a los artistas por su arte. “Si alguien dice ‘Hey, amo tu disco, pero lo descargué gratis’, yo estaría como ‘Bien, eso está bien’. Quizás no tiene el dinero para comprar el álbum, pero si él lo escucha ya es algo importante en mi. Eso es lo único por lo que puedo pedir. No quiero sus 20 dólares”. “Se habla tanto sobre el valor monetario que necesita la música, esta propiedad de la música, incluso de que necesita una forma física, pero intrínsecamente es música, así que debería ser mejor que eso” comenta el guitarrista.

Parker rechaza muchas de las tendencias que tiene la música actualmente, un lugar y una época donde se espera más de la música que de los músicos. Y la verdad es que queremos músicos que consideren temas extra musicales igual, ya sea económicos, servicios de streaming, feminismo u otros problemas sociales. Sus políticas y ética son para un escrutinio mayor. Y más que nunca se les pide perfección a las figuras del entretenimiento, o al menos no ir en contra de la corriente. Y en ese ambiente el líder de Tame Impala viene a ser un anticuado, irrisoriamente idealista y a veces irresponsable. Sin embargo, su singular enfoque sobre la música y su permisividad a casi todo lo demás es algo que sin duda refresca a la industria. Tame Impala es una banda que escuchas para resguardarte en la psicodelia, lejos del demandante y agotador mundo moderno. Y un escape a esas presiones sería el Lollapalooza Chile para su primera jornada de su sexta edición.

The Suicide Bitches: exponentes del rock stoner chileno

Guitarras estridentes, bases rítmicas contundentes y un sonido agresivo con voces desgarradoras, es lo que tendremos en la sexta edición del Lollapalooza Chile junto a The Suicide Bitches cerca de las 3 de la tarde en el Lotus Stage. La banda chilena, que se formó el 2006, tiene a Alberto Hayden en guitarra y bajo, Felipe Arriagada en voz, Pablo Fontecilla en bajo y guitarra, Maxo Soublette en guitarra y Javier Mansilla en batería. Cada uno con profesiones mas bien diferentes a la música. Alberto estudió periodismo y cine, Felipe es ingeniero civil industrial y director de la página POTQ, Pablo es ingeniero también y Javier es artista visual. Y esta heterogeneidad del grupo de alguna manera es la que le da el carácter propiamente tal a The Suicide Bitches.

Con influencias de The Stooges, Soundgarden, Led Zeppelin, Kyuss y Queens of the Stone Age, estos ex compañeros de colegio dicen enfocarse más en la búsqueda de una sonoridad, en este caso stoner, y con letras más bien sencillas y acordes al punk. Si bien en los comienzos de la banda sus sonidos se arrimaban hacia los orígenes del punk fue inevitable el no verse influenciados por los grupos que sonaban mientras crecían. Géneros como el grunge, el punk rock de Nirvana, el garaje que hacían The White Stripes fueron una huella imborrable para los sonidos que querían conseguir. Con el tiempo han evolucionado en un sonido más pesado, más cerca del stoner, como Kyuss, Queens of the Stone Age o Soundgarden. Sin embargo, hoy reconocen dentro de sus nuevas influencias a Puta Marlon o la banda del Sol Naciente, quienes a la hora de componer temas juegan con estructuras y arreglos que están fuera de lo convencional.

Debutaron el 2008 con el EP “Johnny Yen” con muy buenas críticas, lo que más tarde les dio la oportunidad de abrir el show de Stone Temple Pilots en Chile el 2010, cuya presentación fue considerada como una de las mejores aperturas de ese año por la Radio Sonar.

Mucha gente se queja de la aparente falta de innovación que presentan hoy en día las bandas que hacen sus primeras armas en la música. Amparados en la desidia o en la carencia de ideas, exprimen todo el jugo de sus influencias hasta que lo poco que tienen que decir se esfuma en un abrir y cerrar de ojos en melodías originadas muchos años atrás.

Por supuesto, esa es una visión de las cosas. En un mundo donde la dualidad no es apreciado en su plenitud, todo tiene su símil y opuesto –“como es arriba, es abajo”-, y en la anterior descripción musical es acertado conjeturar que, si bien unos fracasan estrepitosamente en hablar desde el pasado, otros sortean el desafío con el temple de avezados veteranos.

Y The Suicide Bitches pareciera que se ajusta a ese tipo de bandas, traduciéndose en el recibimiento a su primer LP, “The Farm of the Suicide Bitches in Heaven” del 2012, lo que permitió al grupo a participar en el Festival SXSW en Austin, Texas. Pero ese no fue el único evento internacional donde tocaron, ya que ese mismo año estuvieron presentes en la primera versión delCBGB’s Festival en Nueva York. La reputación que precede a este festival es inmensa. Mal que mal, el CBGB original -fundado en 1973 en pleno Manhattan- fue el punto en que el punk y el new wave neoyorquinos explotaron con nombres como Ramones, Television, The B-52’s, Blondie, TalkingHeads, Misfits y Joan Jett&TheBlackhearts, entre muchos otros. Un lugar histórico, que fue cerrado en octubre del 2006 y cuyo espíritu ha revivido en el marco de este encuentro multicultural. Y por si fuera poco, también tocaron para la última edición del Maquinaria Festival en Las Vizcachas. Tanto para el Festival SXSW y el CBGB’s Festival, ambos fueron absolutamente auto gestionados. El primero se realizó a través de postulaciones online como toda banda que pretende ser partícipe del festival. Situación que culminó con una positiva respuesta, dejándolos invitados para presentarse en Austin, Texas. Para ello tuvieron que postular a su vez a los fondos de cultura, obteniendo cerca del setenta porciento del financiamiento necesario para el viaje, recaudando el resto a través de fiestas y tocatas.

En la segunda oportunidad, y luego de regalar su reciente LP a quien se le cruzara por delante recibieron un tweet que decía que la canción “ColdWoman” sonaba fuerte en el CBGB, respondiendo de inmediato con completa disponibilidad para tocar en el evento. Al recibir la invitación formal iniciaron otra carrera para recaudar el dinero necesario, en esta oportunidad lejos de los fondos concursables, todo hasta que Felipe, que en ese momento trabajaba en Levi’s, comenzó una campaña y logró presentarles el proyecto consiguiendo el auspicio de la marca.

El 2015 presentaron su nuevo disco “#SEMENATION, con sonidos más stoner, cargados de fuzz y melodías densas, editado por Beast Discos y TuneLess Records, con el primer single “SayMyName”. Un disco que muestra fielmente cómo es la banda en vivo, un show con un caos necesario que es común ver en bandas de los 90’s, de la herencia típica del stoner, con mosh y con alcohol de por medio, como en los viejos shows de rock n’ roll, como un intento por retratar esa época de caos, lo que se ve reflejado en el sonido de #SEMENATION, lo que tomó alrededor de un año en grabarse.“Este disco, siento yo, fue hecho con tiempo y lo quisimos hacer a conciencia, que nada quedara al azar, no solamente en la grabación, aquí incluimos la mezcla, la masterización, el arte, el nombre, todo ha sido darle una vuelta al asunto, al contrario de nuestros anteriores trabajos, que salían más de la guata, sin pensarlo mucho” explica Felipe.

Y Brian Baker, guitarrista de Bad Religion, ente provocativo del punk californiano que nos acompañarán en la segunda jornada de esta edición del Lollapalooza, dice ser fan de los chilenos y los recomienda totalmente. Excusa más que suficiente para decir presente en esta nueva versión del festival.

Stone Giant: rock con sangre latina en Lollapalooza

No todas las personas asisten a un festival para ver a sus artistas favoritos o a un músico de forma predeterminada. Muchas veces se va con el plan de conocer nuevas bandas y ampliar el bagaje musical. Y dentro del cartel del Festival Lollapalooza 2016 hay varios grupos que realmente vale la pena conocer, como los latinos Stone Giant.

El guitarrista y vocalista argentino Sebastián Fernández, el tecladista brasileño Jao Nogueira, el bajista portugués Pedro Zappa y el baterista chileno Pepe Hidalgo conforman esta llamativa banda llamada Stone Giant, teniendo sus orígenes en el Berklee College of Music, lugar que fue el punto de encuentro para estos cuatro músicos que estudiaban todavía en la prestigiosa escuela de música  de Boston.

El grupo se formó el 2012, y desde ahí han tocado en distintos recintos de Boston y Nueva York, como el Hard Rock Café y House of Blues, pero uno de los highlights vividos por los jóvenes músicos fue cuando interpretaron The Ocean de Led Zeppelin en la ceremonia del doctorado de Jimmy Page en Berklee, y ser elogiados por el mismísimo guitarrista de Zeppelin.

Stone Giant trae la mística de Zeppelin y Black Sabbath, como también de otros clásicos; JimiHendrix y The Beatles por ejemplo. Pero esta psicodelia y hard-rock clásico se unen a sonidos más nuevos como el de Rage Against the Machine, Radiohead, Nine Inch Nails o Jack White.

Y recién el año pasado lanzaron su disco debut, grabado en Waterhouse Studios en Hoboken NJ por el co-productor y ganador del Grammy Fernando Lodeiro y masterizado en Abbey Road Studios por Alex Wharton. Y varias de estas canciones de su álbum homónimo han sido escuchadas en radios de Inglaterra, Estados Unidos,  Chile, Portugal, Argentina y Brazil.

Las expectativas son altas con El Gigante de Piedra. En muy poco tiempo han logrado tocar desde bares, abrir conciertos de otras bandas en USA hasta ser parte de un festival tan superlativo como el Lollapalooza. Una tarea que no ha sido fácil y que tendremos el lujo de presenciar para la segunda jornada del festival.

Snoop Dogg: emblema del hip-hop

Fue para el “Hip Hop Town Festival” del 2007 en la Pista Atlética del Estadio Nacional donde pudimos ver por primera vez a Calvin Broadus, más conocido como Snoop Dogg, uno de los principales MC’s de Estados Unidos. El show que fue tan exitoso como el siguiente en el extinto Maquinaria Festival el 2011, con un potente y extravagante regreso, cumpliendo con las altas expectativas de su público.

¿Habrá un rapero más versátil que Snoop Dogg? Pensemos en otro exponente de este género que haya grabado discos de reggae, funk y rap en los últimos 5 años, o en un MC que haya lanzado con las discográficas Death Row, No Limit, Star Trak, Mad Decent y Stone Throw o que haya estado en el mismo tour que Korn y actuado junto a Ben Stiller y Owen Wilson, como se vio en Starsky & Hutch.

En ese sentido, Snoop no sería uno de los más versátiles solamente, sino que también uno de los MC’s más prolíficos de todos los tiempos. Desde 1993, Snoop ha lanzado 13 discos solistas, y a eso hay que agregarle las colaboraciones con otros músicos, su faceta como actor e iniciativas empresariales también, lo que deja claro que el músico es uno de los artistas más ocupados de la industria.

Y para el más reciente show de Snoop en el país y penúltimo Maquinaria Festival hubo un line up más bien ecléctico, con Primus, Sonic Youth y Damien Marley por ejemplo, pero esta vez el oriundo de Long Beach no será el único artista de rap en presentarse en la sexta edición del Lollapalooza, esto porque también se encuentra Eminem, uno de los headliners del festival, lo que convierte al Lollapalooza en un panorama ideal para los seguidores acérrimos del rap al traer por primera vez a Chile a Eminem y tener de vuelta a un emblema del hip-hop como Snoop Dogg.

Vivir para vencer: Lemmy Kilmister

Ya finalizando el año, repentinamente nos enteramos de la muerte de una de las voces importantes del grunge, líder de Stone Temple Pilots y Velvet Revolver, Scott Weiland, y lamentablemente también de la partida de un rockstar genuino, el gigante Lemmy Kilmister, justo cuatro días después de haber cumplido 70 años.

El frontman de Motörhead no se encontraba con buena salud; problemas al corazón, diabetes y una constante dieta de cigarros, distintas drogas y la clásica Jack Daniels lo mantuvieron algo deteriorado en los últimos meses. Algunos shows fueron interrumpidos, a veces cancelados y nuevas historias fueron escritas sobre su decisión de evitar el alcohol. Aún así, Lemmy parecía inmune a la muerte. En su cumpleaños número 70, los amigos rockeros presentes bromeaban sobre cómo Lemmy podría sobrevivir a todo eso. Dos días después, los médicos le diagnosticaron cáncer al cerebro y cuello. Dos días más tarde falleció.

Hay un vacío imposible de llenar luego de su partida. Como se mencionó anteriormente, el hombre era uno de verdad. Nadie tenía la voz de Lemmy. Esa voz rasposa como un gruñido vagamente melódico que se adapta perfectamente a las temáticas de las canciones de la banda. Incluso la actitud al frente del micrófono, con el cuello estirado hacia atrás, como mirando hacia arriba era único. No hay duda de que hay muchos bajistas secos en el mundo, pero ninguno tiene la precisa combinación de tono, técnica y poder de Lemmy. Con sus lentes de sol, bigotes a lo Dalí y cinturón de bala, cantaba desde una posición de rebeldía y fuerza.

Lemmy Kilmister fue uno de los desvalidos del rock ‘n roll, como indica su tatuaje del Ace of Spades, “Bornto lose, livetowin”, y Lemmy vivió esa mantra. Cuando niño fue expulsado de su colegio por golpear al director. Luego tuvo un trabajo como roadie de Hendrix, donde sus deberes fueron envueltos con el consumo de drogas. Un paria, un desadaptado y de ninguna manera un “niño bonito”, convencionalmente hablando. Eso es lo que hizo a Motörhead una banda vital. Su frontman fue un espíritu animal que te animaba a vivir para ganar, a hacer todo lo necesario para disfrutar la vida y para luchar contra todo lo que trata de interferir en nuestro camino. Te extrañaremos Lemmy!